Adjunto el manifiesto realizado junto a mi grupo:
Begoña Álvez Souto
María Luisa Lacarta Fernández
Nataniel Moiane Calangue
Nuria Esteban Cuartero
Cartografía PEC2
Buenos días. Os dejo mi cartografía sobre la investigación artística. Me ha costado un poquito encaminarlo para poder expresar todo pero creo que más o menos se entiende bien. Un saludo 🙂
“El Guernica como proceso social”
“Mapa del sistema del arte”
Texto justificando el diseño:
En muchas ocasiones, el acudir a un museo o contemplar una determinada obra de arte tendemos a pensar que el artista o creador es el único agente imprescindible para que tenga lugar tal acontecimiento. No obstante, el hecho de poder admirar una determinada obra artística en un establecimiento concreto está sujeto a una serie de procesos encadenados, que, a su vez están condicionados por una serie de actores que son imprescindibles para la consecución de ese objetivo.
Tal y como nos cuenta Howard S. Becker en su capítulo Mundos del arte y actividad colectiva “Todo trabajo artístico comprende la actividad conjunta de una serie de personas. Por medio de esa cooperación la obra de arte que finalmente vemos y escuchamos cobra existencia y perdura”.
A la hora de diseñar mi diagrama he querido llevar a cabo una representación esquemática a la par que sencilla para presentar los diferentes actores. En primer lugar considero que el artista sería el núcleo más determinante de todos ellos, ya que es el creador esencial de la obra artística. Por ello, consideré oportuno que estuviera diseñado con un color distintivo. Así, al hacer la clasificación entre actores humanos y no humanos fui consciente aún más de la cantidad de agentes diferentes que participan en el proceso. El artista, en este caso, está relacionado con la mayor parte del resto de actores ya sean humanos o no humanos ya que es la parte central del sistema. Estas relaciones establecidas entre ellos son de mutuo interés e influencia ya que unos no son existentes sin el resto.
Los establecimientos, instituciones y galerías necesitan de esos artistas para que puedan exponer sus obras, y a su vez, los artistas requieren de esos espacios para poder publicitarse. De esta forma los artistas crean su conexión con el público a través de estos espacios no humanos, que a su vez, están dirigidos y coordinados por actores humanos.
Así mismo, las diferentes personas que participan en el proceso deben coordinarse entre sí para llegar a acuerdos determinados para que estas exposiciones alcancen su objetivo. No debemos olvidar que los artistas también pueden hacer uso de las redes sociales y tecnologías informáticas para dar a conocer sus obras, de esta forma utilizarían directamente actores no humanos.
A la hora de crear este mapa me he dado cuenta de las múltiples relaciones bidireccionales existentes entre ellos. Por ello, quise hacer uso de las flechas con doble dirección señalando así la ayuda e influencia mutua entre ellos. Para asociar algunos de los agentes humanos con no humanos hice uso de asteriscos de diferentes colores para facilitar la conexión entre ellos. Lo más fascinante de este proceso es que todo él va a dirigido a un mismo fin que no es otro que ensalzar el valor del arte.
Entrega parcial PR
Para esta entrega parcial en primer lugar seleccioné mi bodegón o imagen tridimensional a partir de la que quiero trabajar. Para ello hice instantáneas tomando desde diferentes perspectivas y de esta forma aplicar diferentes sombras y encuadres a la fotografía.
Para el bodegón quise aplicar una disposición triangular para así dar mayor peso a las figuras centrales del bodegón propiamente dicho. Para ello dispuse las conchas en diferentes posiciones para aportar dicha sensación. Estas capturas pertenecerían al grado de iconicidad 8 según Villafañe donde se capta la imagen real a color.
Posteriormente escogí la captura cuya disposición más me convencía para trasladarla a tonos blancos y negros siguiendo el grado de iconicidad 7
A la hora de la realización de el resto de bocetos se me plantearon algunas dudas. Por una parte me gustaba la idea de representar dicho bodegón en el espacio de mi hogar y por otra me pareció atractiva la idea de trasladarlo al mar, capturando una instantánea de unos de mis paseos habituales por la playa. Mi idea a la hora de representar este cuadro sería la de transmitir el sentimiento de hogar o pertenencia. Para ello me planteé este bodegón. La imagen tomada en mi casa tiene un significado de pertenencia doble, ya que por un lado tenemos las conchas que representan mi vida actual en la playa y por otro una maceta que me regaló un familiar especial de mi otro hogar lejos de la playa, al que también pertenezco. De esta forma confluyen la pertenencia a dos hogares diferentes. Por ello también me pareció interesante trasladar esos objetos al entorno natural de la playa. De esta forma el sentimiento de hogar y calidez se traslada a esa playa aportando objetos de mi hogar lejano.
Uno de los bocetos realizados plasmaba la realidad de forma discreta atendiendo al grado de iconicidad 6. De esta forma retraté de forma más fiel la disposición y tamaño de los objetos. Para ello los situé a la derecha del plano para aportar mayor peso, situando la mesa en ese espacio natural ya comentado.
Posteriormente con ceras realicé un boceto atendiendo al grado de iconcidad 5 donde no se aprecia una pintura realista. Unicamente aporto mayor énfasis en los colores y las formas
Finalmente atendiendo al grado de iconicidad 4 realicé algunos pictogramas con dibujos simples de las diferentes composiciones que aparecían en mi cabeza a partir de la aplicación Canva
pre-entrega pec4
Obras pictóricas con diferentes esquemas compositivos
Nuria Esteban Cuartero
Compensación de pesos o masas
El temerario remolcado. Turner
- Título de la obra: El temerario remolcado
- Autor de la obra: Joseph Mallord WilliamTurner
- Año: 1839
- Técnica empleada: Óleo sobre lienzo
- Estilo: Romanticismo
- Tamaño: 90,7 cm x 121,6 cm
- Localización: Galería Nacional de Londres
En este cuadro vemos al barco “el temerario” remolcado hacia un dique para ser desguazado. Al fondo el sol, en su ocaso amplifica esa atmósfera crepuscular. Turner para ello hace uso de sus característicos tonos amarillos, rojos y azules en diferentes e infinitas variaciones. Muchos quieren traducir de esta obra una reflexión acerca de la propia vejez del autor.
En esta obra que nos consta podemos observar un equilibrio entre los diferentes pesos que componen la pintura, para equilibrar así la orientación a la que ira dirigida nuestra mirada. En ella apreciamos un equilibrio entre los pesos visuales a través del color. Nuestra atención se focalizaría en los tonos cálidos de la derecha, no obstante para llevar a cabo esa compensación se incluyen figuras en la zona izquierda del cuadro aparentemente secundarias para desplazar hacia allí nuestro objeto de visión. De esta forma se desplaza el peso de la obra alejándose del centro de esta y dirigiéndose hacia la izquierda o hacia la derecha respecto al eje central.
Peso en zona central (forma piramidal)
Madonna del jilguero. Rafael Sanzio
- Título de la obra: Madonna del jilguero
- Autor de la obra: Rafael Sanzio
- Año: 1506
- Técnica empleada: Óleo sobre tabla
- Estilo: Renacimiento
- Tamaño: 107cm x 77cm
- Localización: Galería Uffizi. Florencia
La Madonna del jilguero fue realizada por Rafael durante su estancia en Florencia. En esta pintura Rafael colocó las tres figuras (la Virgen María, el niño Jesús y San Juan) dentro de un dibujo geométrico. Aunque las tres figuras son naturales juntas forman un triángulo prácticamente regular.
La obra que tenemos a continuación es un claro ejemplo de focalización del peso en un punto concreto de la obra. De forma automática nuestra mirada se dirige a la madre con estos dos niños. La línea de fuerza que se busca en este caso presenta una colocación imaginaria en forma triangular albergando así las tres formas principales que la componen. Al observar dicha obra nos damos cuenta de la importancia de las zonas “vacías” que acaban creando un equilibrio en el conjunto aunque no estén aportando como elemento principal, creando así un efecto visual armonioso.
Profundidad y contraste
Los desposorios de la virgen. Rafael Sanzio
- Título de la obra: Los desposorios de la virgen
- Autor de la obra: Rafael Sanzio
- Año: 1504
- Técnica empleada: Óleo sobre madera
- Estilo: Renacimiento
- Tamaño: 175cm x 120cm
- Localización: Pinacoteca de Brera. Milán
La ultima obra que vamos a analizar es simétrica y balanceada. La estructura de la obra de Rafael incluye figuras en un primer plano y un edificio centralizado en el fondo. El sacerdote constituye el centro focal de la escena. Las figuras se disponen en un semicírculo, forma circular que se reitera en el templo del fondo y en la forma superior de la tabla. Su esquema compositivo se ve marcado por una figura piramidal que nos permite establecer una clara perspectiva del campo de fuga. La disposición de las piedras en el suelo de forma rectangular y dispuestas paralelamente aportan un ritmo a la obra y nos proveen de una dirección. De esta forma estableciendo el punto de fuga los diferentes elementos nos guían hasta la figura con la cúpula al fondo de la pintura. Se aporta también una sensación de profundidad estableciendo un contraste entre las figuras que vemos en primera fila (con colores más cálidos) y el fondo que podemos visualizar (con tonos más fríos).
Primera entrega PEC2
PEC 2. TALLER DE PINTURA Y COLOR
Análisis de la obra 1
Autor: Henri Matisse
Año: 1908
Nombre de la obra: La habitación roja
Técnica: Óleo sobre lienzo
Estilo: Fauvismo
“La habitación roja” de Henry Matisse
Interacción ante complementarios:
Nos encontramos ante un pintor fauvista. Estos pintores se centraron en el uso del color con fines expresivos y emocionales, siendo Henry Matisse la figura que primero destaca en este movimiento. Utiliza los colores puros y los pares de contrastes complementarios dotando así a sus composiciones de una fuerte tensión cromática.
En la obra que nos consta hace uso de los colores puros, casi sin mezclar, espesos y pastosos y complementados para causar el mayor impacto visual posible. Hace un uso especial de dos colores complementarios: cyan y rojo, predominando casi exclusivamente estas tonalidades en la obra. Concretamente el color ojo es el que adquiere una mayor importancia estando presente en las paredes, el mantel, las frutas y las sillas en distintos tonos que distinguen los objetos de la habitación. El rojo lo combina con su complementario, el azul, presente en las flores del mantel, ya que los fauvistas eran expertos conocedores de la Teoría del Color, y Matisse conocía que contraponiendo dos tonos complementarios el resultado óptico resaltaba mucho más la fuerza de la paleta tonal de la obra. El amarillo también aparece en pequeñas pinceladas de la pintura contrastando al color rojo en varias ocasiones. Por ejemplo en la silla aparecen colores amarillos y rojos. Los frutos en el frutero cogido por la sirvienta portan colores rojos y amarillos, e incluso los escanciadores de vino también los llevan. Por último, lo podemos observar en el centro floral, el cual alberga flores rojas y amarillas.
Análisis de la obra 2
Autor: Vincent Van Gogh
Año: 1888
Nombre de la obra: Gavillas de trigo en el campo
Técnica: Óleo sobre lienzo
Estilo: Postimpresionismo
«Gavillas de trigo en el campo» de Van Gogh
Analogía cromática:
En esta obra del conocido pintor podemos ver cómo se establece una relación entre los diferentes tonalidades de amarillo. En este trabajo Van Gogh buscaba examinar el efecto de la analogía cromática.
Podemos observar cómo el pintor despliega una gama de colores cálidos y animados para capturar una esencia del entorno rural y rudo. Prevalecen los tonos dorados y amarillos en mayor o menor intensidad representando así el trigo maduro bajo la luz del sol, evocando y transmitiendo una sensación de calidez. Este matiz por un lado nos sugiere luminosidad pero también vitalidad. El contraste entre los tonos cálidos del suelo y el cielo azul intenso añade profundidad a la obra. Van Gogh utiliza así el color de forma expresiva para comunicar emociones transmitiendo así la intensidad emocional sentida por el autor.
Análisis de la obra 3
Autor: Vincent Van Gogh
Año: 1885
Nombre de la obra: Los comedores de patatas
Técnica: Pintura al óleo
Estilo: Postimpresionismo
“Los comedores de patatas” de Van Gogh
Uso del claroscuro:
El pintor influenciado por Millet y la oscuridad del barroco holandés decide desarrollar su particular realismo. Según Van Gogh los campesinos debían pintarse con los mismos tonos de la tierra que cultivaban, de esta forma los tonos tierra y oscuros dominan en este cuadro.
Se trata de una obra temprana y destacada para el pintor utilizando la técnica del claroscuro de forma llamativa para generar un impacto dramático en el espectador provocando así una sensación de tristeza y escasez. Se trata de una técnica basada en la manipulación de los contrastes entre la luminosidad y la oscuridad para generar así formas tridimensionales y profundizar la percepción de la pintura. En esta pintura Van Gogh utiliza esta técnica para destacar la figura del campesino principal sentado sobre una mesa y para dar volumen a los objetos circundantes como la mesa o las patatas.
De esta forma se crean contrastes marcados entre las áreas con luz y las zonas con sombras resaltando así la forma y textura de los objetos. De esta forma, la luz ilumina la parte superior de la pared y en la cabeza del campesino mientras que el resto de la habitación queda hundido en una oscuridad generando así el fuerte contraste entre luces y sombras.
¡Bienvenidos y bienvenidas!
Pública ¡Hola!
Esta publicación se ha generado automáticamente y solo puedes verla tú.
Te presentamos tu Folio, un portafolios donde podrás publicar las PEC y las actividades de tus asignaturas, además de tus proyectos propios. Te invitamos a explorarlo y personalizarlo cambiando el tema, los colores o la imagen de cabecera.
Para personalizar tu Folio y empezar a publicar entradas, navega por la barra superior y haz clic en Añadir / Entrada o accede al Tablero, donde encontrarás el menú lateral de WordPress con todas las opciones de la herramienta.
Las publicaciones que vincules a las actividades de las asignaturas se mostrarán en el Ágora del aula. Desde allí podrás ver las publicaciones de tus compañeros y compañeras y dejar comentarios.
Te recordamos que puedes elegir el nivel de visibilidad de cada publicación: pública, protegida con contraseña, campus, aula, visible solo para el profesorado y privada.
Te dejamos un link al espacio de aprendizaje donde encontrarás todas las indicaciones básicas para actualizar tu Folio, hacer publicaciones, vincularlas a las actividades de las asignaturas y hacer entregas en el REC. ¡Échale un vistazo!
Si tienes cualquier duda, puedes ponerte en contacto con el profesorado de tu asignatura o con el servicio de atención.
Este es un espacio de trabajo personal de un/a estudiante de la Universitat Oberta de Catalunya. Cualquier contenido publicado en este espacio es responsabilidad de su autor/a.